Motörhead "Better Motörhead than Dead: Live at Hammersmith" (Spv Steamhammer 2007)

Better Motörhead than Dead: Live at Hammersmith es el noveno álbum en vivo de la banda Motörhead , y es el concierto completo de su show del 30 aniversario en el Hammersmith Apollo en Londres el 16 de junio de 2005. Fue lanzado el 16 de julio de 2007, en Steamhammer como un doble CD, y es el tercer álbum en vivo, décimo álbum en total, con el sello.

Motörhead siempre ha declarado que son una banda de gira , lo que los ha mantenido en pie mucho más que las ventas récord; especialmente a mediados de la década de 1980 hasta mediados de la década de 1990, cuando tuvieron problemas masivos con las etiquetas, específicamente de 1984 a 1994. La formación de Lemmy, Zoom y Mikkey (en este álbum) ha sido la más consistente, desde que Würzel dejó la banda. Mikkey Dee se unió en 1992 al final de hacer el álbum March or Die , 14 años antes de este álbum, y en este punto igualaba el tiempo de Phil "Philthy Animal" Taylor en la batería, mientras que Phil "Zööm" Campbell se unió en 1984 , con Michael "Würzel" Burston , y nunca abandonó la banda.

Cuando se trata de Motörhead que la mayoría de las personas desde principios de los años 90 han visto en vivo, esto es todo.

Algunos críticos han utilizado sus foros, como Allmusic y Blabbermouth, para señalar que en esta etapa Motörhead parecía estar produciendo álbumes en vivo. Pero esto puede esperarse de una banda que ha vivido en el camino y finalmente recibió algo de respeto.

La banda parece haber estado tratando de compensar los muchos años de perderse material en vivo bueno, de calidad y puesto a disposición del público. Desde que se lanzó su exitoso álbum número 1 del Reino Unido, No Sleep 'til Hammersmith , han tenido problemas para igualarlo, ya que el álbum de seguimiento de 1988, Nö Sleep at All , no fue tan bueno en ventas récord. Pasaría más de una década hasta que el próximo álbum en vivo, Everything Louder Than Everyone Else en 1999, grabado en 1998 en Alemania, fuera lanzado al público, y fue seguido rápidamente por Live at Brixton Academy en 2003, su concierto del 25 aniversario desde el año 2000. Entonces, este álbum presenta una declaración de que siempre han querido hacer el bien por los fanáticos, pero no han tenido la etiqueta que los respalde, hasta que firmaron con Steamhammer.

Love Me Like A Reptile", "Shoot You In The Back", "Over The Top" y "(We Are) The Road Crew", todos del álbum Ace of Spades , no se han tocado en vivo en más de un década, y mucho menos hacer el lanzamiento del álbum en vivo, incluso si encontraron un lugar en alguna lista de canciones al azar a lo largo de los años. La canción del título del álbum "Iron Fist", que una vez abrió el set, vuelve a repetirse. "I Got Mine" y "Dancing On Your Grave" no se han jugado desde los días de Brian "Robbo" Robertson en su gira de acompañamiento para Another Perfect Day a principios de los años ochenta, y no han visto la luz del día hasta este grabación.

"Dr Rock", también abridor de set durante años, recibe una corrida de Orgasmnatron , y el "gran éxito" "Killed by Death", de la compilación No Remorse , ambos reflejan los días de Pete Gill en la banda. La canción en vivo de gemelos en solitario, "Just 'Cos You Got The Power" del sencillo Eat The Rich , no se ha escuchado en mucho tiempo y es un homenaje a los últimos días de Würzel en la banda. "Going to Brazil", también una vez un set de apertura (tienen bastantes en este álbum) y "RAMONES", desde la última vez que Philthy tuvo algo que ver con la banda, ambos del álbum de 1916 .

El resto del set tiene los topes regulares del espectáculo y también toca una nueva pista, para completar una lista equilibrada de canciones a lo largo de la carrera de la banda. ¿Quién iba a imaginar que una década después íbamos a estar llorando por la ausencia de Lemmy Kilmister y de Motörhead.

Rolling Stones "Beggars Banquet" 1968

Beggars Banquet —en español: El banquete de los mendigos— es el séptimo álbum de estudio en el Reino Unido de la banda de rock británica The Rolling Stones y su noveno en los Estados Unidos. Fue lanzado en el año 1968, un año después que Their Satanic Majesties Request. Se grabó entre el 17 de marzo y el 25 de julio de 1968 en Londres (Inglaterra) y Los Ángeles (Estados Unidos) bajo la producción del estadounidense Jimmy Miller, con el que trabajarían hasta 1973. Se trata del primero de una serie de cuatro álbumes de estudio que habitualmente se considera la cima de la obra de los Stones (junto con Sticky Fingers, Let It Bleed y Exile on Main St.).5​ Su publicación fue planeada inicialmente para el 26 de julio de ese mismo año, pero fue postergada durante varios meses debido a una disputa con su casa discográfica, Decca Records, en torno a la polémica portada que el grupo pretendía usar.6​ Finalmente, Beggars Banquet salió a la venta el 6 de diciembre de 1968 con una carátula totalmente blanca y con solo el nombre del álbum escrito con letras doradas.

La producción cuenta con canciones con una base de rhythm & blues, suponiendo el regreso de la banda a sus raíces después de su experimental producción anterior, Their Satanic Majesties Request, en la que ensayaron otros estilos musicales, como el rock psicodélico. También hay temas de música country. Las letras de algunas canciones tienen temáticas centradas en la crítica social, inspiradas en las revueltas y conflictos de esos días, y filosóficas, por la alta cantidad de libros sobre filosofía y poesía que leía Mick Jagger durante ese momento.7​

Debutó en los primeros lugares de las listas de popularidad de Estados Unidos y el Reino Unido, alcanzando pronto el millón de copias en ventas. Para su promoción se pusieron en circulación dos sencillos: «Jumpin' Jack Flash», que fue un gran éxito, mas no estaba incluido en el disco, y «Street Fighting Man». La reproducción de esta última canción fue boicoteada por varias radios estadounidenses, por ser considerada "desestabilizadora" y coincidir su publicación con la Convención Nacional Demócrata de 1968. El álbum recibió una buena valoración por parte de la crítica musical, siendo considerado uno de los mejores trabajos realizados por la banda en toda su carrera. En el año 2003 fue situado en el puesto 57 del listado Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos elaborado por la revista estadounidense Rolling Stone.

La preproducción comenzó a mediados de febrero de 1968 en el estudio de grabación instalado en la casa del guitarrista Keith Richards, ubicada en West Wittering, Sussex (Inglaterra). Tras la contratación de Jimmy Miller, los ensayos se realizaron entre el 21 de febrero y el 14 de marzo en los estudios de grabación R. G. Jones de Morden, en Surrey, con las ausencias en varias sesiones del bajista Bill Wyman y del guitarrista y multi-instrumentista Brian Jones.10​ Este último tenía problemas con las drogas y de tipo emocional, lo que lo llevaba a comportarse de modo impredecible y a ser poco fiable.11​ Ante esta situación, Mick Jagger se vio en la necesidad de tocar la guitarra por primera vez.12​ De esas primeras sesiones nacieron las canciones «I'll Coming Home», «Rock Me Baby», «Hold On! I'm Comin'», «My Home Is A Prison», «No Expectations», «Stray Cat Blues» y los primeros acordes instrumentales de «Jumpin' Jack Flash».13​ Sólo «No Expectations» y «Stray Cat Blues» serían incluidas en el disco. El 15 de marzo los trabajos se trasladaron a los estudios Olympic de Londres, donde se realizaron largas sesiones de grabación desde las 19:00 hasta las 8:00 horas. Hasta el 3 de abril, el grupo grabó su siguiente sencillo, «Jumpin' Jack Flash» / «Child Of The Moon», al igual que las nuevas pistas «Jigsaw Puzzle» y «Parachute Woman», además de trabajar en la base instrumental de «Did Everybody Pay Their Dues?» (que posteriormente pasaría a llamarse «Street Fighting Man»).12​ En Stone Alone, Wyman declaró que en la última semana de marzo creó el riff característico de «Jumpin’ Jack Flash»; sin embargo, esto no se recoge en los créditos de la canción.

En mayo, el grupo grabó «Salt of the earth», «Street Fighting Man», «Dear Doctor», «Prodigal Son» y «Factory Girl».10​ El 28 de ese mes, hacia el final de las sesiones, Jones fue arrestado por posesión de drogas tras serle encontrado cannabis en su casa de Kings Road en Londres. No obstante, fue puesto en libertad después de pagar una fianza de 2000 £.

Entre el 4 y el 10 de junio se produjo la grabación de «Sympathy for the Devil». Estas sesiones fueron filmadas por el director francés Jean-Luc Godard en los estudios Olympic12​ e incluidas como secuencia en su película One Plus One (conocida en los Estados Unidos como Sympathy for the Devil), un documental sobre la contracultura occidental de finales de la década de 1960. El equipo de iluminación de Godard provocó un incendio en el techo del estudio la última noche de rodaje.14​ Afortunadamente, no hubo que lamentar daños personales y las cintas de grabación del álbum pudieron ponerse a salvo. Las últimas sesiones de grabación se celebraron entre el 24 y el 28 de junio, terminándose las mezclas en los Sunset Sound Studios de Los Ángeles entre el 6 y el 25 de julio.

Beggars Banquet constituyó la última aparición significativa de Brian Jones con el grupo, puesto que tan sólo intervendría en dos piezas de Let It Bleed. También fue el último álbum de los Stones en ser publicado durante su vida. Jones tocó la guitarra slide en «No Expectations»,15​ la armónica en «Parachute Woman», «Dear Doctor» y «Prodigal Son»,16​ el sitar17​ y la tambura en «Street Fighting Man»,18​ y el melotrón en «Jigsaw Puzzle» y «Stray Cat Blues».19​ Además, hizo de voz de fondo, junto al resto de la banda, en «Sympathy for the Devil». A Jones en ocasiones se le atribuye erróneamente el haber tocado la guitarra slide en «Jig-Saw Puzzle», pero las dos guitarras de esta pieza son obra de Keith Richards.20​21​

Publicación
Con anterioridad a la salida del álbum, el grupo puso a la venta un primer sencillo procedente de las sesiones de grabación: «Jumpin' Jack Flash» con «Child of the Moon» como cara B. «Jumpin' Jack Flash» fue estrenada el 12 de mayo de 1968 en una aparición sorpresa que la banda realizó en el New Musical Express Poll Winners Concert, una ceremonia organizada por la revista inglesa New Musical Express para premiar a lo más destacado de la música popular. El lanzamiento oficial de sencillo se produjo el 24 de mayo y se convirtió rápidamente en un éxito. Debutó en el número 12 de las listas de ventas del Reino Unido y en pocos días llegó a su cabeza, mientras que comenzó en el número 63 en las listas de Estados Unidos y en poco tiempo ascendió hasta el puesto tres.22​ Pese a todo, el grupo no incluyó en el disco las dos pistas del sencillo. «Jumpin' Jack Flash» puede escucharse en varios de sus recopilatorios, como Through The Past, Darkly (Big Hits Vol. 2), Forty Licks o el más reciente GRRR!.

El 1 de julio, los Stones hicieron público el nombre del álbum, Beggars Banquet, y que este saldría a la venta el 26 de julio, fecha que coincidía con el 26º cumpleaños del vocalista Mick Jagger. Sin embargo, se presentó un inconveniente: tanto la Decca Records en Inglaterra como la London Records en Estados Unidos rechazaron la portada original del álbum. Dicho trabajo consistía en una foto de un retrete repleto de grafitis insultantes.23​ Mientras tanto, «Street Fighting Man» fue editada como segundo sencillo, acompañada de la canción country «No Expectations» como lado B. El sencillo se lanzó el 31 de agosto en los Estados Unidos, debutando en el lugar 84 de las listas. Su ascenso en las listas estadounidenses se detuvo cuando estaba en el puesto 48, tras ser boicoteada en varias radios del país. El motivo fue que el contenido de la letra y la fotografía de la portada del sencillo fueron considerados "desestabilizadores" por las autoridades estadounidenses en el marco de la Convención Nacional Demócrata de 1968 y ante los recientes asesinatos de Robert F. Kennedy y Martin Luther King Jr.24​. En cuanto a Beggars Banquet, el grupo lo retuvo hasta octubre, llegando a un acuerdo con las discográficas en noviembre, cuando permitió sustituir la portada original por otra completamente blanca con tan solo el nombre del álbum impreso en ella. El disco se publicó finalmente el 5 de diciembre en los Estados Unidos y un día más tarde en el Reino Unido. Los Stones celebraron una rueda de prensa en un hotel londinense para presentar su trabajo.25​

Para promocionar su nueva producción, el grupo puso en marcha los días 10 y 11 de diciembre la grabación de un vídeo destinado a ser emitido por televisión: The Rolling Stones Rock and Roll Circus. Este "circo de rock and roll" presentaba a artistas de la talla de John Lennon, Eric Clapton, The Who, Jethro Tull y Marianne Faithfull.26​27​ Los Stones fueron los últimos en intervenir, interpretando algunas de las canciones de Beggars Banquet: «Parachute Woman», «No Expectations», «Sympathy for the Devil» y «Salt of the Earth», así como el sencillo «Jumpin' Jack Flash» y «You Can't Always Get What You Want» (incluida en Let It Bleed, su siguiente álbum de estudio). Sin embargo, el grupo no quedó satisfecho con su actuación, lo que provocó que esta obra no viese la luz hasta 1996, cuando fue publicado por el antiguo mánager del grupo, Allen Klein.



El 7 de junio de 1968 se celebró una sesión de fotos para el arte del interior del álbum con el fotógrafo Michael Joseph. El lugar escogido fue Sarum Chase, una mansión en Hampstead (Londres).30​ En noviembre y diciembre de 2008, se expusieron en la Galería Blink de Londres imágenes no mostradas anteriormente de la sesión.31​ Lenne Allik se encargó del diseño del álbum. En cuanto a la fotografía de la portada, esta fue realizada por Barry Feinstein en Los Ángeles. El motivo escogido fue una pared de baño cubierta de grafitis, entre los cuales se observaban "Lyndon ama a Mao" o "El sueño de Bob Dylan" (este último junto a una flecha señalando hacia la manija de la cisterna).32​ Según Keith Richards, la pared la encontraron Anita Pallenberg, Mick Jagger y él. El guitarrista calificó el trabajo como «una verdadera portada funky».8​ La carátula fue rechazada por la compañía discográfica de la banda, dando comienzo a una disputa con el grupo que retrasó el lanzamiento del álbum durante meses.33​Jagger declaró lo siguiente sobre la censura de la portada del disco en septiembre de 1968:

Realmente hemos tratado de mantener el álbum dentro de los límites del buen gusto. Me refiero a que no hemos mostrado todo el baño [en la portada del disco]. Eso hubiera sido vulgar. ¡Sólo mostramos la mitad superior! Dos personas de la compañía [Decca Records] nos dijeron que la cubierta era «terriblemente ofensiva». Aparte de a ellos, no hemos encontrado a otras personas a las que les parezca ofensiva. Le pregunté a una persona que escogiera algo que le pareciera ofensivo [en la portada] y mencionó que lo de Bob Dylan. Al parecer le ofende «El sueño de Bob Dylan» escrito en la pared... Hemos cedido todo lo que hemos podido en relación con el lanzamiento de la portada del disco. Inclusive les sugerí [a los responsables de la discográfica] que la pusieran dentro de una bolsa de papel marrón, con la leyenda "No apto para niños" y el título del álbum en el exterior. Pero no, no aceptaron. Ellos se siguieron obstinando... Era simplemente una idea que nunca se había hecho antes y optamos por mostrar los mensajes en una pared de baño porque es donde se encuentran más grafitis. No hay ninguna obscenidad allí, solo la que una persona se empeñe en ver.8​

Mick Jagger, septiembre de 1968
En la portada finalmente publicada únicamente figuraban, sobre un fondo blanco, el nombre del grupo, del álbum y el acrónimo RSVP. Este diseño representaba una tarjeta de invitación al «Banquete de los mendigos».

Pearl Jam "Ten" Epic Records 1991

Hoy que cumple 54 años el emblemático Eddie Vedder recordamos éste disco clásico del "grunge". Si no fuera por el aumento de la heroína que se produjo a fines de los años 80 entre las clases medias y bajas, es probable que Pearl Jam nunca hubiera nacido, y lo que habría sido mundialmente reconocido sería el acto neo-glamour Madre Amor hueso Encabezado por el carismático Andrew Wood, junto con Soundgarden Seattle tuvieron actos preeminentes que se prepararon para hacer estallar el mundo, ¡generando entusiasmo en las páginas de Kerrang! y Metal Hammer por igual. Partiendo de lo que el heavy metal se había acorralado para convertirse, estas eran bandas listas para mostrar la sexualidad de una manera que era más que simplemente hedonista; Sin lugar a dudas, era primordial. Sin embargo, el destino tuvo una idea diferente.

19 de marzo de 1990. Ese fue el día en que Andy Wood pasó a la siguiente vida. Después de solo unos días de luchar contra una gran sobredosis, Wood cometió el peor error que cualquier adicto a la heroína, olvidando que las cantidades de la droga son relativas. Al inyectarse a sí mismo con una dosis ya letal que creía poder manejar, Wood fue privado de toda dignidad y pagó el precio por su pecado, enfrentando la muerte o la vida confinada a una discapacidad extrema y cuidado constante. El mismo Chris Cornell razona: "La muerte de la inocencia de la escena no fue más tarde cuando Cobain se voló la cabeza". Estaba jodiendo entonces, con Andy acostado en esa cama de hospital ”. Como Jeff Ament y Stone Gossard sabían, Mother Love Bone no podía continuar sin la necesaria presencia de Wood. Con la banda disuelta,

En su mayor parte, Gossard y Ament se habían retirado sin querer continuar con la música; ciertas situaciones personales los dejaron vagar por Seattle por un tiempo hasta que pudieran volver a tocar música (algo en lo que ambos dudaban en colaborar) . Con el reclutamiento de Mike McCready, un guitarrista que se había enfrentado a un fracaso similar al intentar lanzar su equipo de hair-metal, Shadow, la banda anónima se puso a trabajar rápidamente en la creación de una demo de instrumentales con Matt Cameron para reclutar a un nuevo cantante. Sin la intención de obtener un clon de Andy Wood o Mark Arm, la banda estaba buscando a alguien nuevo y diferente, una identidad que pudiera igualar a Wood sin copiarlo.

Gossard recibió de vuelta la cinta de demostración con la inscripción 'Momma-Son' donde antes estaba 'Gossard Demo'. Los primeros trabajos de "Once", "Alive" y "Footsteps", junto con un hombre que tiene un profundo y corrosivo croon, generaron una respuesta emocional que no solo coincidía sino que mejoraba la de la personalidad dominante de Wood. Entra Eddie Vedder. 

Luego, titulada Mookie Blaylock, la banda comenzó a trabajar de forma inmediata y espontánea en su obra maestra de debut que anunciaría un nuevo sonido casi inaudito antes (para los no informados, 'grunge'). A medida que el tambor y el frío ambiente se lanzan en "Once", Pearl Jam se apodera de una manera que pocas bandas pueden lograr. Ferocidad combinada con dolor, "Once" es un oscuro Springsteen- NebraskaPara abrir un álbum, la segunda parte de la trilogía de Momma-Son que detalla los resultados del abuso de Edipo por parte de los jóvenes, ahora un asesino en serie con la intención de acosar y asesinar a prostitutas solitarias. El riff oriental que lo acompaña es igualmente desalentador, pasando de versos mínimos al coro explosivo y catártico. Presumiendo los riffs de Gossard y las impresionantes pistas de McCready, Pearl Jam establece una buena tradición para abrir álbumes sin compromisos, y "Once" sigue siendo el mejor arquetípico.

Mientras los críticos buscaban maneras de criticar el sonido de Pearl Jam a la luz de su segunda aparición en vivo, es difícil entender retrospectivamente cómo estaban las influencias aparentes de Bad Company y The Eagles (pista: no estaban). Seguramente si se estaban refiriendo a eso, probablemente intentaban responder a los singles del álbum, sobre todo la arrogancia arrogante y agresiva de "Even Flow". Con su ritmo de serpiente y su incomprensible lirismo, le valió a la banda un distintivo de descontento en los años 90, aunque solo por popularizar el acento de barítono de Vedder, a menudo imitado pero mal ejecutado. No hace falta decir que los gustos de "Even Flow", "Jeremy" y "Alive" no han envejecido tan mal como lo habrían pensado los críticos; Ahora en pie como primeros testamentos a las bandas de naturaleza bien formada y antémica.

Refutando las evaluaciones antiguas anteriores a un lado, mientras que DiezPodría decirse que está definido por sus singles, son sus cortes profundos los que más impresionan. Con canciones como "Porch", Pearl Jam brinda una sensación incomparable de diversión lista para usar entre las escenas de la escena de Seattle, la sección central de duelo de guitarra proporcionó un excelente lienzo para que Eddie Vedder se desahogara, especialmente en su buceo en boxes. Se retiró una plataforma de cámara en el Pinkpop Festival (se puede encontrar un incidente más moderado de 'Pro-Choice' en las bandas de MTV Unplugged performance). En el lado más emocional de las cosas, la melancolía emocional siempre presente de "Black" sigue siendo una pieza de nostalgia grunge, afortunadamente nunca ha sido contaminada por MTV debido a que nunca se lanzó como single. Su tacto suave de crucero y el poder melódico en aumento lo elevan bastante por encima de los gustos de "Alive", sobre todo por su estado de durmiente.Diez como cualquier cosa menos un clásico. 

Todo sobre diezcanta la perfección, y eso es hasta el momento menos impresionante, "Deep". Alcanzando su nota final cataclísmica en la épica "Lanzamiento", el instrumental "Maestro / Esclavo" que recorre el registro deja tiempo para el recuerdo entre la gran cantidad de álbumes de rockeros pesados ​​y baladas cuidadosamente construidas. ¿Fue la fuerza emocional de "Océanos" o "Jardín" lo que te trajo aquí? "¿O fueron los impulsos de la injusticia que impregnaron a" Jeremy "y" Por qué ir "? ¿O fue simplemente un deseo de fuertes himnos como" Alive "y" Even Flow "" A pesar de eso, al alcanzar tantas bases y perfeccionarlas todas, Pearl Jam ha construido un álbum que vive más allá de los nombres infantiles y las burlas satíricas. La desafortunada consecuencia de Ten, sin embargo, fue que la banda tenía que vivir para siempre el legado en un intento de establecer una identidad más allá de su debut. Mientras que los gustos deVs. y Vitalogy hizo un valiente intento, la carrera de Pearl Jam estuvo siempre plagada de una crisis de identidad en curso 'y la pregunta sigue siendo: "Pero es tan bueno como "Ten".