La historia de Botellita de Jerez

Botellita de Jerez es una banda de rock mexicano, formada en la Ciudad de México en 1983 y separada en 1997. Desde 2005 reiniciaron sus presentaciones con la alineación original: Sergio Arau (guitarra y voz) -quien se separó del grupo desde 1988- Armando Vega Gil (bajo y voz) y Francisco Barrios "El Mastuerzo" (batería y voz).

Contexto y Concepto de la Banda

Botellita de Jerez se distinguió siempre por un enfoque musical festivo e irreverente, integrando sketches y albures en sus letras y presentaciones. Su estilo, un rock sencillo y directo, se combinaba con ritmos tan dispares como el son, el blues y la cumbia, además de letras con una buena dosis de sátira que retrataban la cotidianeidad de la vida en la Ciudad de México y elementos de su cultura popular. En su canción El Guacarock de la Malinche acuñaron la hoy famosa frase "Todo lo naco es chido",sin duda alguna fueron músicos adelantados a su tiempo por integrar conceptos de la vida diaria de Mexico y valorados hoy en dia como una parte importante de la cultura popular.

También fueron pioneros en extraer de la cultura popular la lucha libre y en incursionar en el rock en español, sentando influencia en bandas posteriores. A la fusión de ritmos populares mexicanos -con la consiguiente reivindicación de los mismos- le denominaron guacarrock, por la combinación de las palabras guacamole y rock. Su actividad a finales de los ochenta y noventa fue definitiva en la formación de un discurso kitsch actual y en la tendencia de la cultura -incluso oficial- mexicana a la inclusión permanente de expresiones populares, siendo muy criticados en su momento por ello y reivindicados hoy en día,inclusive siendo redescubiertos por nuevos fanáticos inclusive de 13 años en adelante,algunos escuchando la música de parte de sus padres,otros que investigaron,otros que escucharon en alguna parte alguna canción de ellos etc. sin embargo todo esto lleva a que Botellita de Jerez Hoy en dia Sea Considerado una influencia muy importante en el rock Nacional para rockeros de todo estilo.

Manera de Ser del Grupo y Su vestimenta

Ellos no querían ser como el típico grupo de rock pop de la época que cosechaba fama para aparentar algo que no son, sino también demostrar que ellos son como toda la gente común y corriente de México,que ellos también Viajan en Metro,Pesero,camiones etc,que también comen en puestos de la calle o en fondas como cualquiera,que ellos también viven experiencias buenas y malas que los han inspirado a sacar muchas canciones,que también "son alguien mas del Pueblo" y que gracias a el han conseguido todo lo que han logrado en sus años en activo Todo esto en conjunto para darle una identidad propia,satírica,reelevante,divertida e irreverente al estilo de la banda.

en su apariencia siempre estuvieron basados en parte en el Punk pero añadiendo detalles mexicanos a su vestimenta,esto con los Jeans que emulan los pantalones de Charro con Seguros para la ropa,las Espuelas en los Tenis,tatuajes con detalles netamente nacionales,inclusive uno de sus miembros tiene un par de pendientes con la forma de una lata de Cerveza Tecate,camisetas sin mangas o de colores oscuros con emblemas folkcloricos.

Su nombre se debe al refrán popular "Botellita de Jerez, todo lo que digas será al revés".

Popularidad

Pese a que cuando se formó la banda el rock mexicano era un movimiento mayoritariamente subterráneo, Botellita de Jerez produjo temas bastante exitosos, siendo la mejor muestra de ello "Alármala de Tos", de su disco debut y popularizada en 1996 por Café Tacvba.

Después de 3 discos, Sergio Arau deja la agrupación en 1988, y en su lugar se integran Santiago Ojeda (guitarra y voz), Benjamín Alarcón (teclados) y el Sr. González (percusiones y voz). Los cambios resultaron en una variación en el estilo de la banda, produciendo por un lado temas más pretenciosos y por el otro algunos más irreverentes. En sus últimas producciones es más notoria las composiciones de "El Mastuerzo". Esto resultó en el alejamiento de muchos de sus seguidores, aunque la banda siguió trabajando regularmente hasta su desintegración en 1997, año en el que hacen un concierto de despedida con todos los miembros que participaron. En este concierto se graba el disco "El último Guacarock" con los mejores temas de la agrupación.

Estilo de los discos

En un principio, Botellita de Jerez era un grupo que le daba una frescura al rock mexicano por el estilo de crítica humorística. El disco homónimo de 1984 resulta pues innovador en su tiempo, no tanto por la música, sino por el estilo lírico. A éste se le conoció como "El Morado" popularmente.

El segundo, titulado "La Venganza del Hijo de Guacarock" es similar al primero, aunque en este tanto ya mezclan muchos estilos y logran temas que se grabarán en la memoria del público, como "Guacarrock del Santo". El tercer disco, "Naco es Chido" los confirmó como uno de los grupos más importantes de la época, contando con la participación de grandes músicos y compositores: interpretan temas de Guillermo Briseño, Jaime López y Rockdrigo González además de contar con la participación de Alex Lora.

La etapa comercial

Tras la salida de Arau en 1988,el grupo pasaba por una crisis económica severa(según lo relatado por el propio Vega Gil) así que a partir del siguiente año los botellos dan un giro grande a su estilo, teniendo más mezcla de ritmos aún; se tornan en un estilo más comercial y un sonido limpio que da como resultado el disco "Niña de Mis Ojos". Santiago Ojeda y Rafael González son grandes músicos, pero cuando la gente estaba asimilando a la nueva Botellita, el lanzamiento del disco "Busca Amor" abre puertas a muchos grupos, pero también los coloca en una mala posición, dado a que grabaron cumbias con rock. En ella incluyeron el tema "Busca amor", una reversión de Cotton Fields. Esto debido a una etapa en que los ejecutivos de las empresas disqueras tanto nacionales como extranjeras ven en los rockeros una buena opción para grabar, pero bajo el tamiz de lo vendible. Bajo esta misma tendencia y coptados por contratos comerciales, Botellita de Jeréz entra en una etapa donde pierde su brillo y decae hacia lo insulso o inclusive hasta el grado de que muchos fanáticos los han considerado "vendidos". De esta misma etapa es La negra Tomasa del grupo Caifanes.

A partir de este momento cuando tienen su punto más criticado al participar en conciertos y eventos de Televisa -llegaron a participar en la telenovela juvenil Alcanzar una estrella, en la película "Más que alcanzar una estrella" a lado de Biby Gaytan, Lalo Capetillo, Mariana Garza y Ricky Martin, y en la obra de teatro Todo lo que digas será al revés con Angelica Vale - y cuando alcanzaron más detractores, ya que la idea de las disqueras era volverlos un grupo comercial y rentable, presentándose en bailes populares y otros eventos masivos patrocinados por la misma televisora de San Angel. En esta etapa grabaron la cumbia-rock "Abuelita de Batman", que se transmitió en radiodifusoras gruperas y tropicales y que se volvió un éxito comercial a principios de los noventa,inclusive esta misma fue integrada a la película de comedia y parodia Barman y Droguin,con las actuaciones de Victor Trujillo y su pareja cómica Ausencio Cruz quienes también actuaban en el programa de la Caravana de la Hoy extinta Imevision.

Es hasta 1994 con el disco "Forjando Patria" cuando se regresó a las raíces del grupo, con una gran instrumentación y excelentes temas como "Luna misteriosa", "La Valona de la Conquista", "Return to Aztlán" y "El ropavejero", con las cuales adquirieron de nuevo notoriedad y reivindicarse con su público.

Para 1996 el grupo Café Tacvba lanza algunos covers de sus canciones entre ellas Alarmala de Tos,el cual ha mantenido divididos a los fans de ambos grupos.argumentando que "los tacubos" no son un concepto que encaje con lo que los "Los Botellos" habían comenzado e iniciado en el Rock Mexicano.

Se edita bajo el sello Culebra records el disco SUPERESPECIAL DE BOTELLITA DE JEREZ, acústico,semidesenchufado, en vivo, un plug. Grabado en directo en la Planta de Luz los días 14 y 15 de febrero de 1996. Incluyendo a Fernando "el androinde" Andrade en la alineación y con colaboraciones de Jorge "cox" gaytan y Ernesto " el canalla" Anaya. Con una edición limitada que incluía una historieta y la contraportada haciendo alusión al disco morado pero presentando al "horrible musico de dos cabezas"(el Sr.González y Fernando Andrade) sustituyendo a la imagen de Sergio Arau.

Sin embargo los botellos continuaron trabajando hasta que En 1998 deciden separarse.con un espectáculo en vivo,de el cual también se tiene el disco denominado "El Ultimo Guacarrock"

Trabajos solistas

Cada uno de los integrantes ha llevado proyectos y obras importantes luego de separarse. Sergio Arau es un artista plástico connotado, pionero en incluir la temática de la lucha libre en el arte, creador del término art-nacó y grabó dos discos con el grupo La Venganza de Moctezuma, donde siempre reivindicó la cultura popular mexicana. Además formo a su salida de los botellos el grupo "Sergio Arau y los mismísimos angeles" el cual no tuvo mayor trascendencia. Como cineasta debutó en 2004 con la película Un día sin mexicanos y ha producido videoclips.

Francisco Barrios "El Mastuerzo" es un personaje del activismo social y talentoso compositor en solitario. Fundó el movimiento de los roleros en 1997, la asociación Kloakas Komunikantes y realiza con frecuencia actividades contraculturales. Ha grabado los discos Prohibido, Podrid@ y Tributo a la Otra Kanción Popular Mexicana.

Armando Vega-Gil ha continuado la labor de escritor y compositor, siendo famoso por su "Diario íntimo de un guacarroquer", donde narra lo vivido en Botellita de Jeréz. Integra el grupo de sátira política Palomazo Informativo.

De igual importancia es la carrera solista de los Botellos alter- Arau: El Sr. González tocando tumbas en el unplugged de Café Tacuba, y en sus discos solistas con "Los Cuates de la Chamba", así como su más reciente proyecto "El Grao", un disco gratuito y descargable; Santiago Ojeda musicalizando películas y haciendo soundtracks ídem para cintas como "La Ley de Herodes".

El Arrejunte

En 2005 los integrantes originales del grupo deciden reagruparse e iniciar una exitosa serie de conciertos, dado que el legado y valoración del grupo casi 25 años después de iniciada su labor se ha notado. Han tocado, por ejemplo, en el ring de la Arena Coliseo y en el Festival Vive Latino. Se tiene el proyecto Plan B, un documental con la historia del grupo y la grabación de un nuevo disco que supuestamente se extravió antes de ser masterizado a finales de los noventa.

"No Pinches Mames"

A finales de 2015, ya con Ojeda y González nuevamente a bordo, la banda lanza al mercado su primer disco de estudio original desde 1994, titulado #NoPinchesMames.​ Retomando la irreverencia y crítica social que les han caracterizado a lo largo de los años, las letras del álbum incluyen referencias literarias a obras como "El Principito" y "La insoportable levedad del ser".

Muerte de Armando Vega-Gil y separación de la banda.

El 1 de abril de 2019, el grupo anunció en sus redes sociales el fallecimiento de uno de sus miembros, el bajista Armando Vega-Gil quien se había suicidado en su casa en la Ciudad de México. Horas antes, el músico había publicado una carta de despedida en sus redes sociales oficiales tras haber sido acusado de acoso sexual contra una menor de edad. A raíz de este hecho, la banda anunció su separación, en una conferencia de prensa.

La Historia del Grunge. Seattle la Meca del Rock de los '90s.

El inicio del movimiento

Se dice que la generación de Grunge se originó como un matrimonio entre las escenas vacilantes y punk de Seattle. La escena más tímida consiste en alguien que escucha música metal o thrash. Su estilo incluye pantalones lavados con ácido, cabello largo en ambos sexos y la habitual chaqueta de cuero con los nombres de las bandas colocadas al azar. Hesher proviene de un término de Filadelfia, del que ni siquiera había escuchado hasta investigar grunge.

La escena punk es tanto una forma de música como una forma de vida. Los rockeros punk tienden a pensar que todo debería incluir anarquía o algún tipo de rebelión. Según lo declarado por un miembro de la escena punk, "la sociedad, tal como la conocemos, es artificial y está podrida y, si es posible, debe ser rechazada, reemplazada por la anarquía". Esta es solo una de sus muchas filosofías, pero no necesitamos adentrarnos en ellas. El grunge tiene muy poco de punks filosofías como valioso.

Junto con su filosofía viene el look del punk rock. El atuendo de los punk rockers consiste en ropa rasgada, ropa al revés, clavos y cuero. Su pelo es otra historia sin embargo. A veces consiste en cortes que están diseñados para asustar a sus madres a propósito. Otra forma de rebelión. Punker se tiñe el cabello en varias tonalidades e incluso a veces se pinta con spray.

La música grunge es realmente lo que empezó todo. La escena se centró en bandas como Nirvana, Soundgarden, Alice in Chains, Stone Temple Pilots y Pearl Jam al principio. Grunge puede o no haber sido un término sabio para usar para una generación de jóvenes delincuentes. La perspectiva histórica muestra que se usa mejor para describir un fenómeno de una compañía discográfica. ¡A principios de los 90 la música pop era simplemente aburrida! Debido a este hecho, la generación X se convirtió en un sonido más alternativo. Ellos encontraron que este sonido era producido por la radio de la universidad y las compañías de sellos discográficos de tiempo reducido. Mientras tanto, las estaciones de radio de rock profesaron su juego aéreo de rock clásico como invaluable para la juventud de hoy. El error no solo fue que el movimiento del grunge se estaba convirtiendo en nuevas áreas, sino que estaban formando su propia música.

Nirvana fue la primera banda de grunge en llegar a la escena. No solo adquirieron canciones amigables con la radio para jugar al aire, sino que también se estaban reproduciendo en los programas alternativos de MTV. La gente grunge se volvió loca. Finalmente, la música que les gustaba era escuchada en programas de radio reales. Y sí, incluso MTV.

La generación del grunge no fue la única gente que se volvió loca. Las compañías discográficas vieron gran oportunidad. La música fue tan bien recibida por los jóvenes de hoy que literalmente despojaron a Seattle de buenas bandas de grunge. Entonces comenzaron su búsqueda de otras ciudades. Pero la verdad es que para ser grunge debes tener algunas raíces de Seattle o hoy solo eres considerado "alternativo".

¿CUÁNDO se convirtió grunge en grunge? ¿Cómo una palabra de cinco letras que significa suciedad, inmundicia, basura se convierte en sinónimo de un género musical, una declaración de moda, un fenómeno pop?

Desde la subcultura a la cultura de masas, la línea temporal de la tendencia se acorta y acelera todo el tiempo. Hace poco más de un año, MTV comenzó a bombardear a sus espectadores con los sonidos del "grunge rock" de Seattle, con los himnos angustiosos y las guitarras de bandas como Nirvana y Pearl Jam. Para el verano pasado, las revistas brillantes comenzaron a rastrear las apariencias grunge, las camisas de franela raídas, los suéteres de lana de ternera y los abrigos de piel sintética agrietados de la estética de las tiendas de segunda mano del Pacífico Noroeste. Hollywood también intervino con una película de escena grunge, "Singles". Luego, hace dos semanas, todo en un abrir y cerrar de ojos, el diseñador de moda Marc Jacobs, que nunca ha estado en Seattle, fue aclamado como "el gurú del grunge".

Todo esto ha sucedido antes, con la comercialización masiva de discoteca, punk y hip-hop. Ahora, con el gruñido de América, está sucediendo de nuevo. El pop se comerá solo, va el axioma. Así es como se alimenta:

En 1988, un incipiente sello discográfico de Seattle llamado Sub Pop lanzó un set de tres cajas llamado "Sub Pop 200". Fue una recopilación de bandas como Nirvana, Soundgarden y Mudhoney, y se completó con un folleto de 20 páginas repleto de fotos de Charles Peterson, el fotógrafo al que se atribuye la creación del look grunge-sweat-and-guitars. Sub Pop también envió un catálogo a la intelligentsia de rock alternativo de la nación, que describía el ruido de la guitarra punk-metal de sus bandas como "grunge", el primer uso documentado del término ahora ubicuo. "Podría haber sido fango, mugre, suciedad, cualquier palabra así", dijo Jonathan Poneman, un fundador de Sub Pop.

El Grunge se atascó, tal vez porque evocaba tan vívidamente tanto el sonido de ruido negro como la apariencia maloliente de las cavernas. Ratty rec-room chic ha estado hibernando desde los años 70, saliendo del sótano de vez en cuando en películas como "River's Edge", "Bill and Ted's Excellent Adventure" y "Wayne's World".

Esta generación de jóvenes grasientos de raza caucásica con vaqueros rotos, franela sin pelar y botas pisoteadas pasaron sus años formativos viendo televisión, inhalando cerveza o olla, escuchando viejos álbumes de Black Sabbath y soñando con el día en que cambiarían sus guitarras de aire por algo real. para que ellos, también, puedan convertirse en famosos héroes del rock-and-roll.

Nació una cultura o una contracultura?

"Thrifting" es un verbo en Seattle. La franela y el cuero sintético, los artículos básicos de boho-hobo del atuendo de segunda mano, son los elementos básicos de una declaración de no moda. Una camisa de franela que se usa alrededor de la cintura es una precaución contra el clima mercurial del Pacífico Noroeste. Las botas del ejército avanzan con dificultad por el barro. "No era como si alguien dijera: '¡Vistámonos como leñadores y comencemos a ser chic en Seattle!' "Dijo el señor Poneman. "Estas cosas son baratas, duraderas y un poco atemporales. También van en contra de toda la estética llamativa que existía en los 80".

"Kurt Cobain era demasiado perezoso para lavarse el cabello con champú", dijo Charles Cross, editor de The Rocket de la música de Seattle, que hablaba sobre el cantante principal de Nirvana. El trapeador de perros pastores del Sr. Cobain se convirtió en un corte muy emulado cuando el primer single de su banda, "Smells Like Teen Spirit", se estrenó el año pasado. Nacido en Aberdeen, Washington, el Sr. Cobain también era "muy pobre", dijo Poneman. Parecía (y era) un tipo que dormía en los sillones de sus amigos o debajo de un puente, y compraba su ropa en tiendas de segunda mano.

El Sr. Cobain se ha vuelto rico y casado (con Courtney Love, de la banda de grunge de mujeres Hole).

El primer álbum de Nirvana, "Bleach", fue grabado por $ 606.17 en 1989. Astutamente, Sub Pop gastó más dinero volando en un escritor de la revista Melody Maker, que llevó el bombo a Londres. La banda dejó el pequeño sello a principios de 1991 para Geffen Records.

MTV incluyó "Smells Like Teen Spirit" en su "Buzz Bin" en septiembre de 1991. La revista Picks & Pans in People eligió el álbum "Nevermind" de Nirvana en diciembre pasado, y en enero fue número uno en la lista de álbumes pop de Billboard. Rolling Stone puso a la banda en su portada en abril y llamó a Seattle "el Nuevo Liverpool".

Musicalmente, las raíces del grunge están en otra parte. A principios de los 80 en Minneapolis, se produjo el prototipo de Soul Asylum. De la escena post-punk de Los Ángeles surgieron los Red Hot Chili Peppers, los Nine Inch Nails y Henry Rollins, quienes difundieron su evangelio de máximos decibeles en el verano del '91 en la gira Lollapalooza, un espectáculo de rock alternativo. En Seattle, el movimiento fue localizado. Las melodías se filtran a través de la niebla, inspiradas y atemperadas por las tres drogas principales de la ciudad: café expreso, cerveza y heroína.

"La vibra ahora es un poco como a principios de los 70, antes de que el metal dejara de ser pesado y dependiera de los niveles de adrenalina en lugar del desaliento", dijo Simon Reynolds, el autor de "Blissed Out" (Serpent's Tail, 1990), una crónica. de las subculturas de rock. "Hay una sensación de agotamiento en la cultura en general. Los niños están deprimidos por el futuro".

James Truman, el editor en jefe de Details, la revista de estilo para hombres jóvenes que está llevando el grunge a las masas, dijo: "Para mí lo que pasa con el grunge es que no es anti-moda, es una moda. Punk era anti-moda. Es "Grunge se trata de no hacer una declaración, por eso es una locura que se convierta en una declaración de moda".

En el número de julio de Details, un miembro de una banda llamada Firehose escribió un himno a su camisa de franela. En septiembre, la revista publicó un artículo titulado "Nirvana-bes: Guía de un bluffer para las nuevas superestrellas del rock indie". Entertainment Weekly descubrió la música underground en agosto con su "Guía completa para el futuro del rock & roll". Vogue envió a Steven Meisel a fotografiar la moda grunge en Northwest Noir para su edición de diciembre. Pero nada de esto hubiera sucedido sin MTV.

No mucho después de su debut, el video de Nirvana "Smells Like Teen Spirit" se publicó cuatro o cinco veces al día durante semanas. En octubre de 1991, Steve Isaacs, el primer grunge de MTV, fue contratado y fue puesto en una rotación igualmente pesada. Pero en mayo pasado, el atasco acústico de Pearl Jam en el programa "Unplugged" de la red hizo que Nirvana se pareciera al modelo del año pasado.

"Tenemos un papel muy importante en la difusión de algo desde el subsuelo hasta el corazón", dijo John Canelli, vicepresidente senior de música y talento de MTV. Pero una banda que toca el corazón ya no es underground, lo que explica por qué, dijo Canelli, "siempre estamos buscando lo que sea que viene".

MTV encarna la paradoja de vender un fenómeno como el grunge. Cuando un movimiento alternativo se vuelve dominante, renuncia a sus credenciales alternativas.

"Usted cruza hasta el punto en el que pierde a los seguidores originales", dijo Jay Coleman, presidente y director ejecutivo de Marketing and Communications International en Nueva York. "Pero recoges 10 veces la audiencia original". La compañía del Sr. Coleman comercializó un disco compacto de música alternativa, "Stolar Tracks" (disponible en el número "900"), para vodka Stolichnaya, protagonizada, entre otros artistas, por los Screaming Trees de Seattle. Se ofreció a organizar un patrocinio corporativo para los organizadores de la segunda gira de Lollapalooza, que se realizó el verano pasado, pero fue rechazado porque sería como "patrocinar a Woodstock".

Por la misma lógica, el Sr. Truman de Detalles cree que "comprar grunge como un paquete de la Séptima Avenida es ridículo". Cuando Marc Jacobs envió un desfile de las mujeres más bellas del mundo con gorro de lana, botas de combate desatadas, estampas que chocan y un cabello sucio (diseñado por Oribe) para su colección de primavera de Perry Ellis, Women's Wear Daily lo apodó "el gurú de grunge. " Ahora, Frederic Fekkai, el estilista de Manhattan, dice que todas las jóvenes modelos le piden que haga que sus encantadores mechones "tengan un aspecto más grasiento".

"Una versión hippied romántica del punk" es cómo el Sr. Jacobs describió su colección. Otra historia de WWD dice que el estilo de Goodwill-Garb sin lavar "fue bombardeado cuando era demasiado sucio", citando las quejas de los compradores sobre las creaciones de los señores Jacobs, Anna Sui y Christian Francis Roth, quienes se vistieron para su show con una gorra de lana y tocaron guitarra electrica.

Cliff Pershes, un diseñador asistente de Perry Ellis, admitió haber sido influenciado por el moho chic del grunge rock, pero insistió en que "lo usó de una manera nueva". La camisa de "franela" de Perry Ellis que modela atada alrededor de sus cinturas era de hecho seda lavada con arena. El Sr. Pershes jura que no hay "ni una gota de poliéster" en toda la colección. Simplemente se ve como el poliéster.

Pearl Jam

Entre 1988 y 1990, el grupo muy unido de bandas de Seattle hizo muchos intercambios de miembros y transformación de bandas. Green River se dividió en dos grupos: los miembros que querían permanecer "bajo tierra" formaron Mudhoney, mientras que los que querían convertirse en famosas estrellas de rock formaron Mother Love Bone (recogiendo al cantante principal de Malfunkshun, Andrew Wood). Al representar otro cambio en esos valores de no conformidad, Soundgarden firmó en 1988 con una marca comercial, A&M Records, para consternación de muchos de sus fanáticos.

Al comienzo de la nueva década, Mother Love Bone se convertiría en las estrellas de rock que pretendían ser cuando Wood murió inesperadamente de una sobredosis de heroína. El compañero de habitación de Wood, Chris Cornell de Soundgarden, escribió un homenaje a su difunto amigo. Algunas canciones reproducidas con los miembros sobrevivientes de Mother Love Bone se convirtieron en un álbum completo, Temple of the Dog . Cuando Cornell decidió que una de las canciones sería mejor como dúo, invitó a un vocalista suplente, Eddie Vedder, a que se uniera a él para cantar "Hunger Strike". En el mismo año, Eddie Vedder se unió a los miembros restantes de Mother Love Bone. en la creación de una nueva banda, primero llamada Mookie Blaylock, y eventualmente cambió su nombre a Pearl Jam.

Nirvana 

Aún así, en 1990, Nirvana aún tenía que encontrar un baterista de tiempo completo. Finalmente, se les presentó a Dave Grohl a través de un círculo completo, sus amigos, los Melvins. Y así, todas las bandas básicas de grunge de los años 90 se hicieron posibles y crecieron a través de una inmensa colaboración y perseverancia.

Antes de que cualquiera de estas bandas abandonara realmente Seattle, se describirían a sí mismas de manera autocrítica, principalmente como bromas, calificando a sus bandas de basura, escoria y, lo adivinaron, grunge. En 1991, cuando Nirvana alcanzó el número uno en la lista de Canciones Alternativas de Billboard, con Pearl Jam siguiéndolo de cerca, el "grunge" pasó de ser una broma a un descriptor real del subgénero de la música rock caracterizado por la distorsión de la guitarra, la retroalimentación y la letra sincera y angustiada. . Ese mismo año, Mudhoney y los Screaming Trees lograron el éxito independiente. Soundgarden no alcanzó el éxito comercial de Nirvana y Pearl Jam hasta 1994.

A medida que estas bandas desarrollaron una necesidad de marketing, el "grunge" cambió de descriptor a promotor final, especialmente en la moda. La industria, desde Macy's hasta Marc Jacobs, se sumergió en el estilo de estas bandas y sus audiencias de Seattle, a saber, camisas de franela, botas de combate, gorros de lana de esquí y cabello sin lavar.

Mientras que las musas para estas declaraciones de moda eran demasiado pobres y frías para comprar cualquier otra cosa, y demasiado flojas para lavarse el cabello, aún inspiraban el estilo para los ricos, cálidos y motivados. Las botas de combate que eran prácticas para la tracción en la lluvia de Seattle comenzaron a golpear las pasarelas. Por primera vez, en lugar de ir de las boutiques al departamento de la temporada pasada a Goodwill, la ropa comprada en Goodwill inspiraba lo que se traía a las tiendas. Los punks eran anti-moda: sus atuendos hacían una declaración en contra. El grunge era indiferente a la moda: no hacían ninguna declaración. Y, sin embargo, el grunge se convirtió en una declaración de moda en sí mismo.

Conclusión

Como el concepto de grunge se usaba cada vez más en la corriente principal, fue rechazado cada vez más en el aún anticonformista Seattle. Grunge se convirtió en un término general para las bandas del noroeste de los años 80 y 90, incluso si tenían estilos y sonidos completamente diferentes, lo que hacía que la etiqueta del género fuera inexacta y algo ridícula.

Hoy sin embargo, el término ha sido reclamado. Los residentes de Seattle aún tienen los mismos valores que comenzaron el movimiento grunge y han aprendido a adoptar el título del subgénero que, de muchas maneras, los coloca en el mapa.

Creedence Clearwater Revival "Cosmos Fantasy" (Fantasy Records 1970)

Los cuatro hirsutos y tímidos hombres de Creedence Clearwater Revival fueron recibidos como conquistadores cuando llegaron a Londres en abril de 1970. Desde sus humildes comienzos en los suburbios de San Francisco, el cuarteto había ascendido, en apenas un año, a la altura absoluta de finales de los años sesenta. estrellato de la roca. Habían encabezado Woodstock, lanzaron una serie de discos y sencillos multiplatino, y en 1969, hicieron lo que parecía imposible en ese momento: Vendieron más que los Beatles. .

Se veían sanos y sanos, también, tíos musculosos pero tímidos con chaquetas y camisas de franela. Carecían de cualquier personalidad de grupo real o imagen pública más allá de las sonrisas de tipo rudo y los éxitos omnipresentes. Mientras tanto, los Beatles lucían espeluznantes. Desde 1968, los rumores se referían a la heroína y las disputas interpersonales. Justo cuando Creedence llegó para comenzar su primera gira europea, Paul McCartney. lanzó copias anticipadas de su primer álbum en solitario a los medios de comunicación junto con una "entrevista personal" que se refería a su "ruptura con los Beatles". 

Durante esas dos semanas siguientes en abril, Creedence hizo lo que siempre hizo: jugó un escenario inmutable para una audiencia adoradora tras otra, y luego rechazó los repeticiones. (Sus shows fueron tan consistentes que lanzaron el famoso disco "Live at the Royal Albert Hall" que fue grabado en Oakland). Esto era John Fogerty.La política, una de cada vez más reglas que creó para igualar su control total sobre las canciones, la producción y las finanzas de su grupo. Sus compañeros de banda, el baterista Doug "Cosmo" Clifford, el bajista Stu Cook y el hermano de Fogerty Tom en la guitarra rítmica, fueron a su casa en el Área de la Bahía con maravillosos recuerdos de su autodidacta paliza en los teatros de ópera. Pero también recordaron estar de pie justo al lado del escenario, miles de nuevos conversos aduladores pidiendo más y su líder gastando toda su influencia solo para privarlos de esa adoración por algún código personal sin sentido. 

Eso fue Creedence Clearwater Revival en la primavera y el verano de 1970, cuando terminaron y lanzaron su quinto álbum, Cosmo's Factory . Habían empezado a tocar música juntos en la escuela secundaria y habían estado abriéndose camino a través de una carrera musical durante más de una década en varias iteraciones. Hubo una sesión de estudio con un cantante de doo-wop sobre la colina, los años con Tom en las voces principales, los años disfrazados como los Golliwogs. Habiendo logrado un éxito difícil de obtener pero revelador, todavía estaban plagados por el mismo obstinado y masculino cableado que habían estado llevando desde la adolescencia. Todos eran nervios en bruto y vendettas personales, pero operaban musicalmente como un cerebro de cuatro extremidades.

Debes recordar: Literalmente y figurativamente, eran hermanos. Cuando escuchas una de esas canciones , las conoces: en las películas de Vietnam, The Big Lebowski , la radio de rock clásico, la radio de tu tío junto a la parrilla, estás oyendo la cercanía y la codependencia transmitidas por la infancia. Aprendieron a tocar instrumentos juntos, a cultivar un gusto musical exigente, a dar a su música esa elusiva e inefable "intermedia" que tenían sus héroes de bluesman y R&B. Comenzaron con el tema de la fiesta de baile de la banda de garaje de Squaresville, luego absorbieron lentamente a Booker T. y los MG , el país de Bakersfield, Lightnin 'Hopkins, Roy Orbison , Muddy Waters . John Fogerty creció en su papel de líder de banda mientrasPhil Spector, Brian Wilson y Berry Gordy estaban desarrollando marcas musicales reconocibles al instante. Tenían sonidos tan distintivos como el Sol o el Ajedrez, que Fogerty también veneraba por su percepción y tonos de guitarra. Esto no estaba en sintonía con la música psicodélica que los compañeros de Creedence's Bay Area estaban desarrollando, pero Fogerty estaba resuelta. Él estaba desarrollando toda una visión estética y toda la responsabilidad de promulgarla descansaba sobre su hermano y sus compañeros de escuela.

Cosmo's Factory comienza con la expresión más pura de esas variadas inspiraciones y presiones que la banda jamás haya grabado. "Ramble Tamble" ha escapado de alguna manera al tipo de canonización de rock clásico de "Black Dog" o "Baba O'Riley" como un abridor de álbum épico, pero se destaca entre ellos. Se abre con un alegre riff de funk country que suena casi como James Brown una vez que la banda entra en acción, y luego cambian de forma instantánea en rugiente rockabilly. La guitarra de Fogerty y las voces aullantes se tratan con el mismo efecto fantasmal de bofetada que tomó prestado de Sun y Chess.

Él canta una de sus firmas apocalípticas escenas, llenas de imágenes de chatarra y ruina, como "Bad Moon Rising" pero furioso. Luego, la banda se ralentiza, el boceto de Fogerty de "barro en el agua ... insectos en el azúcar" se detiene y se reemplaza por una explosión de roca espacial que se está construyendo lentamente, a diferencia de cualquier cosa que Creedence, típicamente tan terrenal, jamás haya registrado. Luego lo disuelven y reconstruyen la sección de rockabilly, donde Fogerty regresa a su rutina de predicador enojado. Había escrito sobre espectros y nuevos amaneceres antes, pero esta era la primera vez que había transmitido la idea en la música. "Ramble Tamble" suena como una banda que lucha por encontrar nuevos horizontes, nuevos estilos, todo el lenguaje del título.

Cerca del final del disco, la versión de 11 minutos de "I Heard It Through the Grapevine", invierte el sentido de la aventura de la canción de apertura, convirtiendo la sofisticada canción de baile de Motown en un dron, blues claustrofóbico. El resto de la fábrica de Cosmo.es un hodge-podge, que era típico de los largos de Creedence. Entre las pistas extendidas y un puñado de éxitos previamente lanzados como "Travelin 'Band" y "En la medida en que puedo ver la luz", incluyeron versiones animadas pero no esenciales como "Ooby Dooby" y "Antes de acusarme". No es un registro de declaración o algún tipo de gran paso adelante en la evolución de la banda. Es solo una colección de canciones sin pretensiones, llamada así por su pequeño espacio de práctica en San Francisco y con una de las portadas de álbumes menos afectadas de la era del rock clásico. De alguna manera, en 1970, el año de Kent State, el juicio de la masacre de My Lai, y Let It Be , ningún álbum pasó más tiempo en el número 1 en los Estados Unidos. Creedence se disolvió en dos años.

Sus dificultades interpersonales agobiantes explican la brevedad del éxito de Creedence, pero ¿qué explica su intensidad? ¿Cómo se convirtió una banda tan alejada de sus compañeros y tan trágicamente en el grupo más popular de los Estados Unidos, y durante un tiempo de tanta inquietud? Creedence nunca escribió una canción de amor, apenas usó la armonía vocal, nunca empleó músicos invitados y tuvo una política estricta (y mutuamente acordada) contra el consumo de alcohol y drogas durante la creación de música. No eran exactamente la cara de la cultura juvenil de finales de los 60, pero eran la banda sonora más consistente.

Esas iteraciones anteriores de la banda eran todas relativamente cuadradas: "una banda de garaje, una pequeña banda" es cómo John Fogerty las describió. Fueron sus obsesiones gemelas con la tecnología de grabación y el blues antiguo lo que abrió la banda a nuevas perspectivas. Comenzando con "Born on the Bayou", en Bayou Country en 1969 , Fogerty convocó un mítico rock'n'roll South, tanto lírica como musicalmente: sus canciones eran tan sencillas y estrechas como Stax, cuyos registros, junto con los de Wilson y Spector, estudiado como un erudito. Pero sus palabras podrían inclinarse hacia el tío Remus o el Libro de las Revelaciones. Encendido la fábrica de cosmo, "Lookin 'Out My Back Door" es lo primero y "Run Through the Jungle" es lo último. "Back Door" pinta una escena de libros para niños de animales bailando, mientras que "Jungle", un elemento básico de las películas de Vietnam. En resumen una brillante agrupación que honró el rock en los años que le tocó vivir junto a numerosas bandas gloriosas. Discazo. 

Pearl Jam "Ten" Epic Records 1991

Hoy que cumple 54 años el emblemático Eddie Vedder recordamos éste disco clásico del "grunge". Si no fuera por el aumento de la heroína que se produjo a fines de los años 80 entre las clases medias y bajas, es probable que Pearl Jam nunca hubiera nacido, y lo que habría sido mundialmente reconocido sería el acto neo-glamour Madre Amor hueso Encabezado por el carismático Andrew Wood, junto con Soundgarden Seattle tuvieron actos preeminentes que se prepararon para hacer estallar el mundo, ¡generando entusiasmo en las páginas de Kerrang! y Metal Hammer por igual. Partiendo de lo que el heavy metal se había acorralado para convertirse, estas eran bandas listas para mostrar la sexualidad de una manera que era más que simplemente hedonista; Sin lugar a dudas, era primordial. Sin embargo, el destino tuvo una idea diferente.

19 de marzo de 1990. Ese fue el día en que Andy Wood pasó a la siguiente vida. Después de solo unos días de luchar contra una gran sobredosis, Wood cometió el peor error que cualquier adicto a la heroína, olvidando que las cantidades de la droga son relativas. Al inyectarse a sí mismo con una dosis ya letal que creía poder manejar, Wood fue privado de toda dignidad y pagó el precio por su pecado, enfrentando la muerte o la vida confinada a una discapacidad extrema y cuidado constante. El mismo Chris Cornell razona: "La muerte de la inocencia de la escena no fue más tarde cuando Cobain se voló la cabeza". Estaba jodiendo entonces, con Andy acostado en esa cama de hospital ”. Como Jeff Ament y Stone Gossard sabían, Mother Love Bone no podía continuar sin la necesaria presencia de Wood. Con la banda disuelta,

En su mayor parte, Gossard y Ament se habían retirado sin querer continuar con la música; ciertas situaciones personales los dejaron vagar por Seattle por un tiempo hasta que pudieran volver a tocar música (algo en lo que ambos dudaban en colaborar) . Con el reclutamiento de Mike McCready, un guitarrista que se había enfrentado a un fracaso similar al intentar lanzar su equipo de hair-metal, Shadow, la banda anónima se puso a trabajar rápidamente en la creación de una demo de instrumentales con Matt Cameron para reclutar a un nuevo cantante. Sin la intención de obtener un clon de Andy Wood o Mark Arm, la banda estaba buscando a alguien nuevo y diferente, una identidad que pudiera igualar a Wood sin copiarlo.

Gossard recibió de vuelta la cinta de demostración con la inscripción 'Momma-Son' donde antes estaba 'Gossard Demo'. Los primeros trabajos de "Once", "Alive" y "Footsteps", junto con un hombre que tiene un profundo y corrosivo croon, generaron una respuesta emocional que no solo coincidía sino que mejoraba la de la personalidad dominante de Wood. Entra Eddie Vedder. 

Luego, titulada Mookie Blaylock, la banda comenzó a trabajar de forma inmediata y espontánea en su obra maestra de debut que anunciaría un nuevo sonido casi inaudito antes (para los no informados, 'grunge'). A medida que el tambor y el frío ambiente se lanzan en "Once", Pearl Jam se apodera de una manera que pocas bandas pueden lograr. Ferocidad combinada con dolor, "Once" es un oscuro Springsteen- NebraskaPara abrir un álbum, la segunda parte de la trilogía de Momma-Son que detalla los resultados del abuso de Edipo por parte de los jóvenes, ahora un asesino en serie con la intención de acosar y asesinar a prostitutas solitarias. El riff oriental que lo acompaña es igualmente desalentador, pasando de versos mínimos al coro explosivo y catártico. Presumiendo los riffs de Gossard y las impresionantes pistas de McCready, Pearl Jam establece una buena tradición para abrir álbumes sin compromisos, y "Once" sigue siendo el mejor arquetípico.

Mientras los críticos buscaban maneras de criticar el sonido de Pearl Jam a la luz de su segunda aparición en vivo, es difícil entender retrospectivamente cómo estaban las influencias aparentes de Bad Company y The Eagles (pista: no estaban). Seguramente si se estaban refiriendo a eso, probablemente intentaban responder a los singles del álbum, sobre todo la arrogancia arrogante y agresiva de "Even Flow". Con su ritmo de serpiente y su incomprensible lirismo, le valió a la banda un distintivo de descontento en los años 90, aunque solo por popularizar el acento de barítono de Vedder, a menudo imitado pero mal ejecutado. No hace falta decir que los gustos de "Even Flow", "Jeremy" y "Alive" no han envejecido tan mal como lo habrían pensado los críticos; Ahora en pie como primeros testamentos a las bandas de naturaleza bien formada y antémica.

Refutando las evaluaciones antiguas anteriores a un lado, mientras que DiezPodría decirse que está definido por sus singles, son sus cortes profundos los que más impresionan. Con canciones como "Porch", Pearl Jam brinda una sensación incomparable de diversión lista para usar entre las escenas de la escena de Seattle, la sección central de duelo de guitarra proporcionó un excelente lienzo para que Eddie Vedder se desahogara, especialmente en su buceo en boxes. Se retiró una plataforma de cámara en el Pinkpop Festival (se puede encontrar un incidente más moderado de 'Pro-Choice' en las bandas de MTV Unplugged performance). En el lado más emocional de las cosas, la melancolía emocional siempre presente de "Black" sigue siendo una pieza de nostalgia grunge, afortunadamente nunca ha sido contaminada por MTV debido a que nunca se lanzó como single. Su tacto suave de crucero y el poder melódico en aumento lo elevan bastante por encima de los gustos de "Alive", sobre todo por su estado de durmiente.Diez como cualquier cosa menos un clásico. 

Todo sobre diezcanta la perfección, y eso es hasta el momento menos impresionante, "Deep". Alcanzando su nota final cataclísmica en la épica "Lanzamiento", el instrumental "Maestro / Esclavo" que recorre el registro deja tiempo para el recuerdo entre la gran cantidad de álbumes de rockeros pesados ​​y baladas cuidadosamente construidas. ¿Fue la fuerza emocional de "Océanos" o "Jardín" lo que te trajo aquí? "¿O fueron los impulsos de la injusticia que impregnaron a" Jeremy "y" Por qué ir "? ¿O fue simplemente un deseo de fuertes himnos como" Alive "y" Even Flow "" A pesar de eso, al alcanzar tantas bases y perfeccionarlas todas, Pearl Jam ha construido un álbum que vive más allá de los nombres infantiles y las burlas satíricas. La desafortunada consecuencia de Ten, sin embargo, fue que la banda tenía que vivir para siempre el legado en un intento de establecer una identidad más allá de su debut. Mientras que los gustos deVs. y Vitalogy hizo un valiente intento, la carrera de Pearl Jam estuvo siempre plagada de una crisis de identidad en curso 'y la pregunta sigue siendo: "Pero es tan bueno como "Ten". 

Nirvana "Nevermind" (Geffen 1991)

Kurt Cobain , el cantante principal, guitarrista y principal compositor de Nirvana , celebró su vigésimo quinto cumpleaños en 1991. Más tarde ese mismo año, Nirvana lanzó su álbum de gran avance Nevermind , un álbum que muchos críticos consideran un clásico y algunos incluso consideran material de "todos los tiempos". Pero, aunque tengo prácticamente los mismos años de haber escuchado el disco y  no podría estar más  de acuerdo con este jibberish "clásico" y "de todos los tiempos".

Honestamente, no fue hasta mi primer año en la secundaria (high school) que comencé a permitirme Nirvana. Mi odio pre-universitario a la banda se debió enteramente a su popularidad, especialmente entre un grupo muy voluble de emo, adolescentes de escuela "incomprendidos" que parecían amar a la banda solo porque Kurt Cobain se suicidó. La forma en que el hombre y la banda son idolatrados porque fue lo suficientemente "valiente" como para suicidarse realmente me irrita hasta el día de hoy, especialmente cuando se filtra en el ámbito del periodismo musical convencional. 

Pero todavía sostengo que "Nevermind" es un clásico. Ciertamente tiene muy buenos temas, y tal vez incluso uno o dos grandes, pero como un verdadero álbum, no llega a ser nada más que disfrutable, OK. A principios de los años noventa, el nuevo sonido grunge de este álbum puede haber sido de vanguardia, pero eso no ha impedido que suene anticuado y de mala calidad en la actualidad. Por supuesto, siempre será un álbum famoso por ser simplemente un álbum de Nirvana, ya que tuvieron una carrera tan corta antes de la muerte de Cobain. En cierto modo, esto puede ser comprensible, ya que el fenómeno de la "estrella fugaz" siempre se ha idealizado en el rock n 'roll. Pero trataré de dar a este álbum una crítica justa y honesta como cualquier otra.

El álbum abre bastante fuerte con "Smells Like Teen Spirit". En el pasado, siempre había visto esta canción como una melodía cliché exagerada, pero realmente es lo mejor de ese álbum. Además, es una de las dos únicas canciones que no fue escrita completamente por Kurt Cobain, ya que el bajista Krist Novoselic y el baterista Dave Grohl comparten el crédito (quizás eso signifique algo). Más extraño aún, la canción mejoraría enormemente si las letras completamente duras y difíciles de entender. Dicho esto, Cobain proporcionó sonidos de reverberación increíbles de su guitarra, y los tambores suenan directamente de un garaje que realmente funciona para esta canción. Combina esos elementos con los continuos cambios en las melodías de las canciones y obtendrás un éxito.

Las siguientes dos canciones, "In Bloom" y "Come As You Are", contienen más de lo mismo: la guitarra es nítida y divertida en ambas, las letras siguen con sentido, pero la voz de Cobain sigue reflejando la dureza de su alma. La de apertura de Novoselic de "Come As You Are" es de particular interés y permanece más o menos igual a lo largo de la canción. El solo de guitarra de esta canción también es bastante divertido. La canción que sigue estos tres sólidos temas iniciales es Breed. Muy en la onda punk con las guitarras distorsionadas al 100%, excelente disco. 

La razón fundamental por la cual 'Nevermind' es un álbum clásico es porque entre 1989 y 1991, Cobain refinó sus ya considerables talentos de composición de canciones para producir música cada vez más segura de sí misma y contagiosa. El single de 1990 'Sliver' (más tarde incluido en 'Insecticide') señaló el camino, pero la magnitud del salto cuántico hecho por Nirvana es más evidente en 'Smells Like Teen Spirit', la canción de apertura en 'Nevermind' y la única canción en el álbum que se acreditará a los tres miembros de la banda (algo de consuelo para Novoselic y Grohl cuando, en 1992, Cobain rompió la división tripartita equitativa de todo a favor de que recibiera el 75 por ciento de los derechos de autor de la canción retroactivamente a 'No importa').

'Come As You Are' es una canción sobre la aceptación del paria. Desde el momento del divorcio de sus padres, Cobain se sintió cada vez más alienado e incapaz de expresarse con eficacia, excepto a través de su música, que incluso entonces es algo de estados de ánimo incipientes y letras contradictorias ("Como amigo, como viejo enemigo / Tómate tu tiempo, date prisa Algunos piensan que 'Smells Like Teen Spirit' se asemeja a 'More Than a Feeling' de Boston, algo a lo que Nirvana aluden en su actuación de 1992 en Reading, pero 'Come As You Are' tiene una deuda mucho más obvia musicalmente con Killing Joke's 'Ochenta'. Shakespeare 'prestado' y trascendido sus materiales fuente originales y tal es el caso de Cobain aquí.

El ritmo se reanuda con la frenética y nihilista 'Raza'. En su encarnación original, la canción se tituló 'Imodium', lo que significa que al final 'Lithium' es el único título de la canción 'Nevermind' para referirse a un medicamento. 'Litio' se trata de convertir a la religión de un estado de depresión ("Enciende mis velas en un aturdimiento / 'Porque he encontrado a Dios') y por qué esto solo ofrece comodidad ilusoria (" He encontrado a mis amigos / Están en mi cabeza ") leudado por la culpa (" Y tal vez tengo la culpa de todo lo que he escuchado ") y abnegación antinatural (" Estoy tan caliente pero está bien / Mi voluntad es buena ").

Según el propio Cobain, la acústica 'Polly' (con Chad Channing sin acreditar en la batería) es una canción contra la violación sobre un violador cuya víctima atada, la del mismo nombre Polly, desarrolla una relación con su atacante. Las letras no aclaran si esta es una expresión del síndrome de Estocolmo o una estratagema para lograr su escape. Lo que queda claro de la canción es la voluntad de Cobain de explorar el lado más oscuro de la naturaleza humana y su agudeza psicológica, como lo demuestra, por ejemplo, el doble pensamiento del violador: desvincularse de sus acciones ("No soy yo") y reclamar su las acciones de alguna manera han sido honorables ("Te prometo / he sido cierto").

'Territorial Pissings' (coescrito con Chet Powers), ve a Nirvana regresar al modo frenético y Cobain revisita los días en que era un joven alienado que busca desesperadamente estrategias de supervivencia en una cultura ultramamá ("Nunca conocí a un hombre sabio" / Si es así, es una mujer "). Esta es también la pista donde las voces gritos de Cobain alcanzan su cenit.

'Drain You' es notable por contener el juego de palabras más inteligente en todo el álbum ("Con los ojos tan dilatados que me he convertido en tu alumno") y porque la sección central instrumental de la canción suena brevemente como un homenaje a Pink Floyd.

'Stay Away' (originalmente titulado 'Pay To Play') lágrimas a un ritmo vertiginoso que hace que su final de asfixia sea aún más efectiva y prepara el escenario para 'On a Plain', que se acelera lentamente para desafiar al oyente a que tenga sentido de lo que están oyendo: "¿Qué diablos estoy tratando de decir? / ¿Es hora de dejar en claro / escribir líneas que no tienen sentido?" Como una pieza de escritura de canciones autoconsciente es un primo lejano de 'Your Song' de Elton John y Bernie Taupin, con 'On a Plain' tan dolorido y sin resolver como 'Your Song' está afirmando.

'Something in the Way' es una rareza, ya que se relaciona con una experiencia identificable en la vida de Kurt, es decir, el tiempo que pasó durmiendo bajo el puente del río Wishkah en Aberdeen. Cobain por una vez deja de gritar y en lugar de eso su melancólica voz de violonchelo se complementa bellamente con violonchelos melancólicos para pintar un cuadro no de vagabundeo romántico ni siquiera de desesperación suicida, con el 'Endless / Nameless' no incluido, después de una larga pausa, proporcionando una ampollas, rabia y dolor coda.

¿Cuál es el secreto del éxito de 'Nevermind', permitiendo que el álbum venda millones sin que la banda parezca venderse? Mucho de esto tiene que ver con la capacidad de Nirvana en 'Nevermind' para combinar elementos que parecen diametralmente opuestos: el rock duro y la producción resbaladiza (grunge brillante); acordes de poder y ternura melódica; ira y apatía; comunicar sentimientos a pesar de aparente inarticulación. Las letras mismas son un catálogo de pares y opuestos del pensamiento humano. 

La entrevista perdida con George Harrison de 1991

Fuente: Revista Proceso.

México, DF – Era 1991 El periodista Vic Garbarini había intentado por más de diez años entrevistar al único miembro de Los Beatles que le faltaba: George Harrison La oportunidad llegó cuando el ex Beatle estaba haciendo la promoción de su disco “George Harrison Live in Japan”, grabado durante su gira aquel año con Eric Clapton

Aunque pequeños fragmentos de la charla tuvieron tiempo de aparecer publicados, el famoso terremoto que sacudió Los Angeles en 1994 convirtió el departamento de Garbarini en un caos y extravió la preciada cinta Cuenta el periodista:

“A comienzos del año 2001 y coincidiendo con la salida del último libro dedicado a Los Beatles, ‘Antología’, la grabación de aquella conversación llegó misteriosamente a caer en mis manos”

La charla completa fue traducida por la edición hispana de la revista “Guitarra Total” en marzo del 2001, al tiempo que se publicaba la reedición del disco clásico de George Harrison de 1971, “Todas las cosas deben morir” Con la muerte de Harrison en noviembre pasado, la lectura de aquella entrevista resulta reveladora, como relata Garbarini:

“George se explayó en forma natural y hasta con cierto punto de candidez sobre los sentimientos acerca de sus tres compañeros músicos en Los Beatles y del estrellato Se mostró ingenioso y con una mirada llena de frescura Su ánimo no varió al tocar temas delicados o dolorosos A cada situación negativa le tocaba el lado positivo y de aprendizaje”

Reproducimos aquí algunas de las preguntas de Garbarini hechas a Harrison y sus respuestas (GH)

–Fuiste a estudiar con Ravi Shankar música tradicional india Al volver, tu estilo era mucho más “elástico”, pero sin perder precisión

GH: Por supuesto, porque todo lo que oyes te influye y acaba resurgiendo en tu música en un momento u otro Creo que la música hindú influyó en mi forma de poner los puntos de inflexión Y algunas de las cosas que toco tienen una sonoridad parecida a la de la música india

–¿Cuando volviste de la India copiaste intencionalmente algunas de las técnicas aprendidas durante el viaje?

GH: Cuando volví estábamos preparando “El Sargento Pimienta” y no me enteraba de nada porque me hallaba inmerso en mi propio mundo Así que no me senté a aplicar ningún estilo en particular a las canciones del disco; pero si escuchas “Lucy en el Cielo de Diamantes” verás que la guitarra dobla la parte vocal de John, lo cual es una técnica que se usa mucho en la música del Indostán

–A ese respecto, Paul me dijo que intentaste hacer algo parecido en “Oye Jude” y no te dejó

GH: Bueno, eso ya no importa No recuerdo lo que pasó con esa canción en concreto, pero el caso es que se ha dicho tanto sobre nuestros desacuerdos y hace tanto tiempo de aquello, que ya no creo que tenga demasiada importancia

–En los momentos difíciles, ¿Paul intentaba que la banda se mantuviera unida, o le preocupaba que todo estuviera bajo su control?

GH: Bueno, Paul tenía un lado de dictador, pero muchas veces era en beneficio de la canción El arreglista George Martin también lo era a veces; pero se han disculpado por aquello muchas veces a lo largo de los años

–Sin embargo, la cosa llegó a importunarte tanto al grado que dejaste al grupo durante un tiempo mientras grababas “Déjalo Ser”, ¿verdad?

GH: En aquel momento, Paul había perdido la capacidad de ver más allá de su propio ego Estaba en una racha creativa formidable, pero que sólo le permitía verse a él En su mente, todo lo que había a su alrededor estaba allí para acompañarle en su triunfo No le importaba herir los egos o los sentimientos ajenos

“Dicho esto, cuando llegaba el momento de prestarle atención a una canción mía, si llegaba ese momento, Paul se mostraba muy entregado y creativo en sus aportaciones La excelente parte de piano de ‘Cuando llora mi guitarra’ es suya y cuando la toco en vivo le pido al pianista que la reproduzca nota por nota Si escuchas el bajo de ‘Algo’, uno ve lo que es capaz de dar Paul a una canción”

–¿Cuán difícil es meter alguna cancioncilla en una obra repleta de temas compuestos por los dos mejores compositores en la historia del rock?

GH: Sinceramente, de no haber sido por John y por Paul, yo jamás hubiera pensado en componer Al menos, no hasta mucho tiempo después Ellos no paraban de escribir temas de gran calidad en su gran mayoría, y yo pensé: “Si ellos pueden, yo tendré que intentarlo” Pero tienes razón, no era fácil en esos días lograr grandes cuotas de entusiasmo por mis temas

“Estábamos grabando y siempre era lo mismo: Lennon/McCartney, Lennon/McCartney Y yo: ‘¿Podríamos ahora hacer alguna de las mías?’ Cuando grabamos por primera vez ‘Cuando llora mi guitarra’, al principio sólo era yo con la guitarra acústica y la voz, versión que a nadie interesó Bueno, tal vez a Ringo un poco, pero a nadie más Aquella noche, al llegar a mi casa, estaba frustrado, pues no se trataba de un mal tema después de todo Al día siguiente, coincidió que volví a Londres con Clapton en el coche y de pronto le dije: ‘Oye, ¿por qué no vienes a tocar mi tema en el estudio?’ Se negó, pensando que podía molestar a los demás”

–¿Estaba prohibido llevar gente al estudio?

GH: No es que estuviese formalmente prohibido, pero nadie lo había hecho antes Teníamos gente que tocaba el oboe o las cuerdas, pero nadie de renombre Así que Eric tenía sus dudas, pero yo me decidí, puesto que era mi canción, y lo traje

–¿Creó eso más tensión entre los demás?

GH: Lo mismo que cuando estábamos grabando ‘Regresa’: Billy Preston llegó a nuestra oficina y yo lo metí al estudio, le pedí que tocara el piano eléctrico Debido a su presencia, el resto de los muchachos del grupo dejaron de hacerla un poco al tonto y se concentraron Eso ocurrió con Clapton

–¿Qué hay de John?

GH: Como la mayoría de las canciones de Los Beatles, los temas de John eran escritos en el estudio Todos estábamos ahí dando ideas Especialmente John y Paul, claro John tenía muy buen olfato para el sentimiento, pero era muy malo dando una estructura sólida a los temas Te decía: “Esta canción va más o menos así” Y después, al volverlo a tocar, te preguntaba: “¿Cómo iba?” Su percepción del ritmo era bastante abstracta también

–Como muchos de los artistas de blues

GH: Exacto Y a veces hacía cosas realmente interesantes y no las repetía En más de una ocasión me encontré intentando recordar la idea original y aprenderla para poder mostrársela a la siguiente vez que preguntara cómo iba

–Para terminar, ¿algún recuerdo amargo de última hora?

GH: No, esas cosas ya no me pasan Me conduce una luz cósmica y la naturaleza me acompaña.

Un grande el Sr. George Harrison(+). DEP